Reflexões sobre a dança do amanhã [parte 2]: Entrevista com Alesya Dobbysh.

Em dezembro de 2023 finalizamos o ano no Portal Mud refletindo sobre a dança de 2024 e as suas possibilidades, assim lancei no mesmo mês o artigo: “E se a dança do amanhã não estiver sob nosso controle?”  estimulado pela ideia de que para este ano, um caminho possível poderia ser ir além do antropocentrismo, convidando a experimentar estéticas mais coletivas, elementais, animalescas ou simplesmente uma prática artística que nos conecte de uma forma diferente da padronização humana de comportamento, movimento e gestualidade.

Assim, convidei Alesya Dobysh para uma entrevista sobre o seu trabalho como coreógrafa e como pensa o movimento entre a música, a improvisação e a festa.

Alesya é uma importante coreógrafa que cada vez mais alcança novos patamares para a dança contemporânea, principalmente no aspecto das novas pesquisas em cena. Atualmente vive na Holanda e iniciou a sua carreira a partir da dança de rua e danceclub, se apaixonando pela cultura House e suas formas artísticas. Em sua carreira conquistou  prêmios em eventos internacionais como Summer Dance Forever (Amsterdã), Juste Debout (Paris), Random Circles (Frankfurt), Street Star (Estocolmo) e muitos outros.

Em seu trabalho, relaciona experimenta a fusão de subculturas e formas não convencionais artísticas como performance art, teatro, artes visuais e música eletrônica. Sua pesquisa está em desconstruir técnicas em footwork do dancehouse para uma linguagem pessoal e abstrata. Os trabalhos coreográficos de Alesya ganharam prêmios no Concurso de Dança Urbana de Artes Cênicas “HOP” em Barcelona, no Festival de Dança Experimental “Open Your Mind” em São Petersburgo e no festival “SzoloDuo” em Colônia e Budapeste.

As obras de Alesya nos transportam para lugares pouco comuns no universo da dança contemporânea, convidando o público a experimentar do seu jeito uma nova maneira de  compreender um espetáculo cênico.

Assim, em nossa entrevista, iniciei a pergunta sobre o espetáculo “Endless Night”, que me fascinou pela dramaturgia cênica ser totalmente baseada na experiência festiva criada pelo próprio espetáculo, se tornando uma performance por si só:

(Gabriel Paleari) Em relação à sua criação “Endless Night”, gostaria de saber como foi o processo de construção dramatúrgica do espetáculo, principalmente sobre a narrativa e os símbolos com o tema da obra:

(Alesta Dobysh) (tradução nossa) “Endless Night” foi o trabalho que criei por encomenda para um grupo de 13 alunos formandos da academia de dança “Fontys”, baseada em Tilburg.

Antes de iniciar o processo, encontrei acidentalmente uma série de publicações intitulada “One Work” de Mitch Speed. Lembro-me de que foi em uma pequena livraria independente no Porto.

Fui atraída por uma edição específica onde o autor estuda o trabalho – um ensaio em vídeo de Mark Leckey “Fiorucci Made Me Hardcore”. O vídeo é uma compilação de imagens encontradas de subculturas de clubes underground britânicos. Um dos estilos de dança que venho explorando em minha jornada foi o UK Jazz Fusion, um estilo underground britânico de clubes. Foi por isso que me interessei pelo livro, já que sempre fui curiosa sobre as linguagens de movimento e subculturas que emergem nos ambientes de clubes.

Usei a análise do trabalho e a atmosfera do vídeo como referência e pontos de partida para a criação. Vários elementos foram utilizados para construir a dramaturgia da peça: a estrutura rítmica do trabalho, o som produzido pelo corpo físico e o desenvolvimento geral da energia do grupo. Sou fascinado por como os humanos se comportam e como seus corpos se movem dentro do grupo, seja em uma marcha militar estruturada ou na bagunça caótica de uma multidão em pânico. 

A segunda pergunta foi sobre o seu trabalho experimental ao lado de Max Frimout (músico), o projeto se chama Motus Sonus, um espaço para improvisar e compartilhar as pesquisas entre música e dança. 

(Gabriel Paleari) Sobre Motus Sonus, antes de perguntar, gostaria de dizer que sou um grande admirador da sua pesquisa! Tenho uma companhia aqui no Brasil chamada Estranha e o seu trabalho é uma grande referência, nos inspiramos na sua forma de experimentar! Como surgiu essa ideia de transformar a experimentação em tempo real com a música e dança? E como você enxerga essa construção instantânea entre criação e experiência estética?

(Alesya Dobysh) (Tradução nossa:) Uma vez conheci um compositor de música eletrônica, Max Frimout, e decidimos fazer algumas sessões juntos. Max toca techno e faz performances eletrônicas experimentais ao vivo, principalmente usando seus sintetizadores modulares. Para nossa sessão, ele trouxe um microfone de contato e uma plataforma de madeira à qual estava conectado, sobre a qual dancei. O som do movimento é amplificado ali, chamando atenção até mesmo para o menor deslocamento de peso, arrasto, arranhões e batida, tornando-os tão audíveis quanto carimbos, saltos e quedas. Essa atenção redobrada aos detalhes transforma a fisicalidade da dança e o processo investigativo de desenvolvimento da linguagem do movimento, tanto dentro quanto fora da plataforma. 

Essas sessões me serviram como ferramenta para desconstruir a linguagem do trabalho de pés da forma estabelecida do gênero para a abstração. Mudei minha abordagem do movimento de focar nas formas externas para a intencionalidade interna e a qualidade textural em relação ao som. Como Jerzy Grotowski diz: “O corpo é o primeiro vibrador e ressonador”.

A vibração sonora produzida pelo movimento torna-se não apenas um resultado, mas simultaneamente uma entrada para o próximo movimento. Isso molda uma cadeia de escolhas que formam uma composição improvisada, criando uma interdependência eterna entre músicos, dançarinos e o espaço em que se apresentam. Essa interdependência transforma dinamicamente cada momento.

Um processo laboratorial relativamente simples – um feedback direto entre movimento e som – transforma-se em pesquisa artística influenciando nossas práticas.

Damos continuidade a essa colaboração e a chamamos de “Motus Sonus”, que significa “som do movimento”. Inicialmente uma colaboração de pesquisa, o projeto continua a evoluir, moldado pelos espaços de performance e pelos artistas que convidamos a colaborar. Juntos, exploramos a interação entre movimento, som e espaço. Antes da apresentação, passamos vários dias explorando a qualidade acústica do espaço e a relação entre experiências sônicas e somáticas. A performance consiste em várias partes improvisadas e coreografadas. 

E por fim, não podia deixar de perguntar que diante de sua pesquisa inspirada pelas festas, música e improvisação  como é a relação com o público:

(Gabriel Paleari) A forma como as suas obras são feitas é fascinante, principalmente dentro do nicho underground e esse estudo profundo sobre house, experimentação e subcultura. O que me deixa em dúvida em relação à plateia: Como você enxerga a relação do público em suas obras e como você pensa a interação como uma potência criativa dentro da sua obra?

(Alesya Dobysh) Existem vários processos relacionados ao público. Durante a criação, em primeiro momento, não me importo tanto assim com a interação do público. Eu me concentro mais em manter a intenção do movimento vívida e em criar um ambiente desafiador e emocionante para os artistas se apresentarem. Acredito que se é emocionante para o intérprete, é automaticamente emocionante para o observador.

O espaço é onde acontece o encontro com o público. No meu trabalho, presto muita atenção ao espaço e ao posicionamento da coreografia. Para as apresentações do Motus Sonus, não designamos áreas para o público, permitindo que eles escolham seus próprios lugares. Eles são incentivados a se mover pelo espaço, mudar de posição e seguir os atos da performance.

Com minha experiência trabalhando em contextos menos comuns ao apresentar dança, adquiri conhecimento sobre o papel crítico do envolvimento do público como uma quarta dimensão da performance, além do som, movimento e espaço. Uma parte importante do meu processo é coreografar o espaço, guiando o público através dele. Ao fazer isso, desenvolvo uma dinâmica em que todos assumem a responsabilidade pela experiência que desejam ter. Similar a um museu, o público pode se mover e escolher onde e como focar sua atenção. Estou particularmente interessado em quebrar a barreira entre observador e intérprete nas apresentações de dança. Isso é alcançado ao aproximar a performance do público. Os artistas emergem e se dissolvem entre o público, movimentando-os pelo espaço e transformando a noção tradicional de palco e frontal teatral. Esses elementos permitem que os visitantes se sintam parte da ação, em vez de apenas observadores passivos. 

A forma como Alesya compreende a dança contemporânea é algo extremamente relevante para refletir sobre como escutamos, pisamos e assim em todo o contexto em torno do que se cria enquanto dançamos. 

Meu nome é Gabriel Paleari, diretor da Estranha Companhia e foi um prazer compartilhar essa conversa maravilhosa com a Alesya Dobysh!

*Original:

(Original interview answer 1) “Endless Night” was the commissioned work I created for a group of 13 graduating students from the Tilburg-based dance academy “Fontys”.

Before starting the process, I accidently encountered a series of publications titled “One Work” by Mitch Speed. I remember, it was in a small independent book shop in Porto.

I was attracted to one edition specifically where the author studies the work – a video essay by Mark Leckey “Fiorucci Made Me Hardcore.” The video is a compilation of found footage from British underground club subcultures. One of the dance styles I have been exploring in my journey was UK Jazz Fusion, an underground British club style. That’s why I was attracted to the book, as I have always been curious about movement languages and subcultures that emerge in club environments.

I used the analysis of the work and the atmosphere of the video as my reference and starting points for the creation. Several elements were used to build the dramaturgy of the piece: the rhythmical structure of the work, the sound produced by the physical body, and the overall development of the group’s energy. I am fascinated by how the humans behave and their body moves inside of the group, whether it’s a structured military march or the chaotic mess of a panicking crowd.

(Original interview answer 2) Once I met an electronic music composer, Max Frimout, and we decided to have some sessions together. Max plays techno and performs experimental electronic live, mostly using his modular synthesizers. For our session, he brought a contact microphone and a wooden platform it was attached to, which I danced on. The sound of movement is amplified there, drawing attention to even the slightest shift of weight, shuffle, scratch, and tap, making them as audible as stamps, jumps, and drops. This heightened attention to detail transforms the physicality of dancing and the investigative process of developing movement language, both on and beyond the platform.

Such sessions served me as a tool to deconstruct the footwork language from the established form of the genre into abstraction. I shifted my approach to the movement from focusing on the external shapes to the internal intentionality and textural quality in relation to the sound. As Jerzy Grotowski says: “The body is the first vibrator and resonator.”

Audio vibration produced by the movement becomes not only a result but simultaneously an input for the next movement. This shapes a chain of choices that form an improvised composition, creating an eternal interdependency between musicians, dancers, and the space in which they perform. This interdependency dynamically transforms every single moment.

Relatively simple laboratorial process – a direct feedback between movement and sound – transforms into artistic research influencing our practices.

We proceeded with this collaboration and named it “Motus Sonus,” which translates to “movement sound.” Initially a research collaboration, the project continues to evolve, shaped by the performance spaces and the artists we invite to collaborate. Together, we explore the interplay between movement, sound, and space. Before the presentation, we spend several days exploring the acoustical quality of the space and the relationship between sonic and somatic experiences. The performance consists of several improvised and choreographed sketches.

(Original interview answer 3) There are several processes related to the audience. During creation, I care little about audience interaction. I focus more on keeping the intention of the movement vivid and creating a challenging and exciting environment for the artists to perform in. I believe if it is exciting for the performer, it is automatically exciting for the observer.

Space is where the meeting with the audience happens. In my work I pay close attention to the space and positioning of the choreography. For Motus Sonus performances we don’t designate areas for the audience, allowing them to choose their own spots. They are encouraged to move through the space, change positions, and follow the performance acts.

With my experience working in less common contexts when presenting dance, I gained insight into the critical role of audience engagement as a fourth dimension of performance, in addition to sound, movement, and space. An important part of my process is choreographing the space by guiding the audience through it. By doing so, I create a dynamic in which everyone takes responsibility for the experience they want to have. Similar to a museum, the audience can move and choose where and how to focus their attention. I am particularly interested in breaking down the barrier between observer and performer in dance performances. This is achieved by bringing the performance closer to the audience. Performers emerge and dissolve among the audience, moving them through space and transforming the traditional notion of a stage and theatrical frontal. These elements allow visitors to feel like they are part of the action, rather than just passive observers.